A' la mort de leur pe're, Nicole et Philipp se retrouvent pour vider
la maison familiale. Dans le grenier, ils découvrent un tableau
signé « A. Hitler » - catalyseur de la mise au jour des secrets de famille. Quand une experte en art nazi arrive et déclare que c'est un authentique tableau du Fuhrer à mettre aux enche'res, les camps se divisent : d'un co^té, Judith, la femme du fre're horrifiée qu'ils puissent spéculer sur une oeuvre d'art nazi, en face, une famille se réjouissant de cette source d'argent inespérée.
Au fil de répliques cinglantes et d'échanges acerbes sur le legs du nazisme ou sur la question tant débattue de la frustration d'Hitler concernant les arts plastiques, se rejoue l'implacable question de
la conscience allemande apre's-guerre et ses déme^lées avec le passé nazi, de l'indélébile « sentiment de culpabilité » au déni, et les résurgences terrifiantes d'un antisémitisme latent. Une pie'ce au vitriol sur la conscience de l'Histoire, mettant en perspective ce « passé qui ne passe pas », pour reprendre l'expression de l'historien et philosophe allemand Ernst Nolte, de nos jours si prégnante. Lire la suite Fermer

En 1964, Peter Weiss suit le procès de Francfort, où comparaissent plusieurs responsables du fonctionnement du camp d'extermination d'Auschwitz : des officiers SS mais aussi des Kapos, détenus affectés par les nazis à la surveillance et aux sanctions disciplinaires envers les autres prisonniers. Très largement médiatisé, ce procès suscita de vives controverses concernant la responsabilité des prévenus et leur complicité pour meurtre. Nombreux sont ceux qui nièrent leur responsabilité, estimant avoir été les rouages d'un système de guerre, ne faisant là que « obéir aux ordres ».
À travers le strict exposé des faits, Peter Weiss raconte l'organisation criminelle dans les moindres rouages de cette machine de mort administrée par le Reich, de la déportation à l'élimination des détenus, par privations, épidémies, expériences cliniques mortelles, injections létales, fusillades, empoisonnement au gaz Zyklon B et crémation dans les fours. Évitant l'écueil de la reconstitution historique, Weiss livre un discours dépouillé à partir des témoignages et des articles de presse, radicalisant le geste du théâtre documentaire. Lire la suite Fermer

Une femme dont on ne connaîtra jamais le nom raconte l'histoire de sa rencontre et de sa relation avec son mari, dans un monologue au ton léger et décalé.
Cependant, la comédie joyeuse des débuts - rencontre truculente dans une file d'attente d'EasyJet, relation amoureuse et enfants - vire rapidement au drame.
Scénariste réputé et maître de l'asphyxie, l'auteur ciselle un foudroyant retournement de situation.
Comment bascule-­-t-­-on de l'idylle à l'horreur la plus brutale ?
Qu'est-­-ce qui pousse un être humain à commettre l'impensable ?
Denis Kelly explore les ressorts enfouis de la masculinité, des relations amoureuses, de la filiation et de la folie, à travers cette puissante tragédie, jouissive et mélancolique.

Nouvelle édition revue et augmentée.

Raconter le Monde, ma part misérable et infime du Monde, la part qui me revient, l'écrire et la mettre en scène, en construire à peine, une fois encore, l'éclair, la dureté, en dire avec lucidité l'évidence. Montrer sur le théâtre la force exacte qui nous saisit parfois, cela, exactement cela, les hommes et les femmes tels qu'ils sont, la beauté et l'horreur de leurs échanges et la mélancolie aussitôt qui les prend lorsque cette beauté et cette horreur se perdent, s'enfuient et cherchent à se détruire elles-mêmes, effrayées de leurs propres démons. Dire aux autres, s'avancer dans la lumière et redire aux autres, une fois encore, la grâce suspendue de la rencontre, l'arrêt entre deux êtres, l'instant exact de l'amour, la douceur infinie de l'apaisement, tenter de dire à voix basse la pureté parfaite de la Mort à l'oeuvre, le refus de la peur, et le hurlement pourtant, soudain, de la haine, le cri, notre panique et notre détresse d'enfant, et se cacher la tête entre les mains, et la lassitude des corps après le désir, la fatigue après la souffrance et l'épuisment après la terreur.

Ce volume est composé d'articles et d'éditoriaux commandés à Jean-Luc Lagarce par les théâtres et des revues. Il est établi d'après l'ordre chronologique d'écriture des textes. La présente édition intègre les exergues aux éditoriaux écrits pour le Théâtre Granit tels qu'ils apparaissent dans le contexte original.
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Le cancer commence toujours par une annonce. Quand c'est fini, reste la peur que cela recommence. Entre les deux, la vie reprend ses droits, car c'est une expérience de vie, proprement vitale, qui s'écrit ici dans l'urgence et la nécessité.
Il faut donc dire, même si parfois les mots brûlent les lèvres. Dire précisément ce qui a lieu dans le corps et le ressenti, l'impact sur nos pensées.
Et en rire aussi, parce que le cancer se soumet aux rencontres et aux situations inattendues de la vie.

C'est cela que propose « Munitions d'amour », nous confronter à nos peurs, célébrer la puissance de la vie, et de l'amour qui reste. Un texte qui interroge le coeur de notre humanité.

C'est l'histoire d'un retour, peut-être le plus fameux de la littérature, le retour d'Ulysse. Poème de la force, éloge de la gloire, cela fait vingt-neuf siècles que l'on s'incline.

Dix ans de guerre, dix ans pour revenir. Et tout du long, violence, meurtres, mais aussi amour, larmes et solitude. Les femmes y sont des déesses, des amantes, ou des épouses. Car l'Odyssée est un récit d'hommes.

Hécube n'y figure pas, elle qui symbolise le massacre de Troie. Pénélope apparaît dans quelques lignes, seule son attente fidèle est brandie par les hommes. Et Calypso avec qui Ulysse passe le plus de temps (sept années presque huit), se rend aussi quoiqu'elle l'aime vraiment.

Ulysse veut rentrer chez lui, à Ithaque. Être un héros vivant. Ulysse est unique, tous ses compagnons sont morts. Pénélope comme Hélène ne sont que des prétextes. Mais ce que Pénélope a appris en vingt ans, il l'ignore. Lire la suite Fermer

Jacques Lecoq (1921-1999) a dirigé son Ecole internationale de théâtre, fondée en 1956. Partout dans le monde, d'anciens élèves - acteurs, metteurs en scène, scénographes, auteurs... ou mêmes architectes - se réfèrent à son enseignement. Mais qui était Jacques Lecoq ? Quel fut son parcours ? Quels ont été les objectifs et les méthodes de son enseignement ?

Les dialogues de 3 films majeurs de l'enfant terrible du cinéma allemand.
Maman Küsters apprend que son mari, ouvrier dans une usine chimique, s'est suicidé après avoir tué son patron.
La presse à scandales harcèle la veuve.
Pression médiatique, conflits de classe et engagement politique s'entremêlent avec brio dans ce drame.
Franz, jeune homme d'origine modeste, gagne une importante somme d'argent au loto.
Il s'entiche alors d'Eugen, jeune bourgeois aux goûts de luxe.
Eugen usera de ses charmes pour lui inculquer les bonnes manières tout en le pillant, menant ainsi Franz à sa perte.
Emmi, veuve d'une soixantaine d'années, rencontre Ali, jeune immigré, dans un café.
Il s'installe chez elle dès le lendemain et ils se marient.
Leur romance à contrecourant scandalise l'Allemagne des années 70.
Comment cette relation résistera-­-t-­-elle à l'intolérance et aux préjugés ?
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Dossier "A la redécouverte des marionnettes"
Enquêtes :
- Censure : peut-on encore tout dire ?
- Pourquoi le théâtre est grossophobe
- Comment sont choisies les oeuvres du bac ?
Et toutes les rubriques habituelles.

I. Actes de résistance contre la mort.

Et les poissons partirent combattre les hommes.
Mais comme elle ne pourrissait pas... Blanche-Neige.
L'Année de Richard.
II. Tétralogie du sang.

Je ne suis pas jolie.
Anfægtelse.
Je te rendrai invincible par ma défaite.
La Maison de la force.
III. Le centre du monde.

« Maudit soit l'homme qui se confie en l'homme » : un projet d'alphabétisation.
Ping Pang Qiu : ???.
Tout le ciel au-dessus de la terre (le syndrome de Wendy).
IV. Le cycle des résurrections.

Première épître de saint Paul aux Corinthiens.
You are my destiny (Le viol de Lucrèce).
Tandy.
V. Journal.

La Fiancée du fossoyeur.

La fécondité véritable d'Artaud est celle d'un discours qui porte en lui la force d'une pensée sur le théâtre visant à briser les frontières de ce qui est. Comme le rappelait Grotowski : « Artaud est un poète du théâtre, c'est-à-dire un poète des possibilités ».
C'est cette ouverture des possibles qu'il faut chercher dans les textes d'Artaud, en n'oubliant pas de se rappeler sa vision de la force des mots, habités par une énergie capable de rejoindre la force des gestes. De cette fusion de moyens d'expression chargés de force naîtra, pour le théâtre, un pouvoir d'efficacité comparable à une authentique action magique. Une efficacité capable d'atteindre le spectateur dans son esprit mais aussi dans son corps. Peut-être pourrait-il en être ainsi pour certains lecteurs ...
La beauté mais aussi la difficulté des textes d'Artaud vient aussi de l'importance de leur dimension poétique, de l'énergie d'une parole qui s'avance par métaphores et se charge de visions. Mais de visions dessinant pour le théâtre un horizon limite vers lequel se diriger, traçant ainsi un chemin vers la quête de réponses concrètes. En effet la pensée du théâtre qu'il propose n'en porte pas moins en elle, dans sa radicalité, l'ouverture aux enjeux concrets de la mise en scène dans son travail sur le langage, sur l'espace, sur le jeu de l'acteur, sur la relation au spectateur. Artaud n'ignore rien de la matérialité scénique, mais il la charge d'une signification qui doit dépasser cette simple matérialité.
Les textes d'Artaud tracent le chemin vers un modèle rituel que les grandes expériences des années soixante ( Brook, Grotowski, le Living theatre, Barba) se sont réapproprié et qui habite encore certaines expériences contemporaines comme celle de Romeo Castellucci.
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Ni autobiographie classique, ni thèse sur le théâtre, Oublier le temps étire le fil des souvenirs. Ancrés dans un monde de sensations, à la fois précis et évanescents, ils se manifestent sous la forme de réminiscences - bribes qui s'appellent mutuellement, comme pour esquisser une vaste réponse à la question de savoir comment on en vient au théâtre. Peter Brook montre combien une vie peut être habitée par une vocation autant qu'elle peut la faire.

L'auteur relate dans cet ouvrage ses débuts à Londres, son installation à Paris, ses rapports avec le groupe Gurdjieff, ainsi que ses rencontres avec des figures culturelles marquantes de la vie culturelle française et internationale.

Ce premier volume se consacre aux années de jeunesse de Patrice Chéreau, de sa première mise en scène en 1963 («L'Intervention »de Victor Hugo) à la création du «Prix de la révolte au marché noir »au Théâtre de la Commune à Aubervilliers en 1968. Pendant ces cinq ans, le lecteur suivra les réflexions du metteur en scène depuis ses débuts dans le groupe théâtral du Lycée Louis-le-Grand au Festival d'Erlangen (1963-65), de Gennevilliers à Sartrouville (1966-69). Devant cette oeuvre monumentale aux fabuleux travaux préparatoires, conservés à l'IMEC, il a fallu renoncer à l'exhaustivité. Voici une sélection de notes, restituées chronologiquement, dans lesquelles le metteur en scène pense son travail, analyse une pièce, cherche son geste et évoque ses collaborations. Dès ses premières mises en scène, Patrice Chéreau prend l'habitude de dater ses notes, couchées à la hâte, le plus souvent sur des feuilles volantes qu'il émaille de nombreux croquis. On y lit qu'il travaille simultanément sur différents projets, que l'artiste change de paradigme médiatique, pensant d'abord le théâtre avec la grammaire de la peinture avant de lui préférer celle du cinéma. En parcourant ces écrits et ces dessins, c'est la pensée, la définition de l'esthétique, le discours sur le monde du metteur en scène et les questions politiques de son temps qui apparaissent au lecteur. Ces écrits sont aussi la trace de ses lectures marxistes à partir desquelles il analyse les oeuvres littéraires et les rapports de forces dans les sociétés. On y retrouve enfin l'admiration de Patrice Chéreau pour Bertolt Brecht et le Berliner Ensemble, sa tentative d'un théâtre militant à Sartrouville qui précède un intérêt marqué pour la troupe américaine du Bread and Puppet Theatre.
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Certains ont eu des lieux de méditation, des rituels, des mythes, comme formes et espaces de recueillement. Nous pouvons peut-être avoir des lieux de théâtre. Des lieux où même si les quêtes aujourd'hui paraissent absurdes, vides, parce qu'on a perdu l'origine des mondes, on entend toujours un appel, sans savoir d'où.

Ce volume rassemble l'ensemble des textes de Claude Régy publiés entre 1991 et 2011 : « Espaces perdus », « L'Ordre des morts », « L'Etat d'incertitude », « Au-delà des larmes » et « La Brûlure du monde ».

Dans le cadre du Festival d'Automne de Paris 2016, Claude Régy met en scène Rêve et folie de Georg Trakl au théâtre Nanterre-Amandiers, du 15 septembre au 21 octobre.

À la manière des Suppliants ou d'Ombre (Eurydice parle), Sur la voie royale est un texte-­-fleuve, qui charrie différentes voix.
Tel un pamphlet poétique, écrit par l'Autrichienne en réaction à l'élection de Donald Trump, cette expression de l'excès repousse les limites de l'écriture.
Il incarne l'histoire millénaire de l'autoritarisme, de l'exclusion, de la haine brutale de toute pensée et toute forme de ré-­-action, dans un style poétique et incisif.

Ce livre propose une entrée dans la vie passionnante de ce dramaturge novateur. Il explore les pièces dans leur contexte de création, avec un résumé des intrigues, ce qui permet aux amateurs de théâtre d'aborder les drames O'Neilliens par la vie de l'auteur et de ses productions dramatiques. L'ouvrage s'adresse à ceux qui souhaitent découvrir une oeuvre parfois complexe, dont l'impact sur les scènes anglophones ne se dément pas au fil des ans. Un autre aspect du livre retiendra l'intérêt du lecteur : il s'agit de lettres qui révèlent le regard qu'un créateur portait vers la France, pays où il résida trois ans dans les années vingt.

Les textes réunis dans ce livre sont tous marqués par le conflit palestino-israélien, mais, écrits dans des circonstances et des périodes différentes, ils tentent de répondre à des situations et des questions différentes. Dans Le Métro de Gaza, une jeune femme palestinienne, entrée en contact avec un Gazaoui par l'intermédiaire d'un site internet, perd sa trace, décide de le rejoindre à Gaza, croise l'inventeur d'un métro récemment mis en service, fait d'étranges rencontres et se voit embarquée dans des situations qu'elle pensait dépassées. Dans Les Échinides, un homme nous entraîne dans le monde étrange, fascinant, matriciel, des oursins. Au cours du voyage, il rencontre des figures revenantes du colonialisme, et se métamorphose.

Hervé Loichemol est né en 1950 à Mostaganem, en Algérie. Après des études à l'université de Besançon puis à l'École du Théâtre national de Strasbourg, il devient assistant puis metteur en scène au Théâtre de Carouge. En parallèle à de nombreuses créations, il crée le Théâtre du Châtelard à Ferney-Voltaire, avant de devenir directeur artistique du centre culturel de rencontre de l'Auberge de l'Europe, puis directeur de la Comédie de Genève de 2011 à 2017. Depuis 2013, il développe un travail avec le Théâtre de la Liberté de Jénine, où il monte Le Métro de Gaza avec Ahmed Tobasi en 2022. Lire la suite Fermer

Souvenir de l'Éneide de Virgile, ce mélodrame épique se déroule dans une cité d'aujourd'hui.
Roch apprend qu'il a un cancer des os en phase terminale et l'annonce à son fils, Énée.
La nouvelle métastase rapidement dans l'entourage familial :
Loin de susciter l'inertie ou l'abattement, cette nouvelle provoque un élan chez ces individus bousculés par la vie.
Énée décide d'emmener son père mourir au Portugal.
Dans cette odyssée tragicomique en autostop, la mort s'invite au voyage, inévitable et implacable comme le jour succède à la nuit.
Entre souvenirs de l'épopée antique et argot contemporain, la langue inventive et rythmée de Fabrice Melquiot dessine un chemin vers les enfers qui croise joie et humour sur sa route.

J'écris principalement mon Journal dans les cafés. Je pars marcher et j'emporte mon cahier glissé sur le devant‚ sous le pull ou retenu par la ceinture du pantalon ou encore dans un sac. Il m'arrive de l'écrire très tard dans la nuit‚ jusque dans mon lit. Et je peux noter de petits événements avec plusieurs jours de retard‚ voire une semaine ou deux.

Ce premier volume, qui commence avec l'entrée en théâtre de Jean-Luc Lagarce, s'achève sur son séjour à Berlin en 1990. Il présente les quinze premiers cahiers de son journal qui en compte vingt-trois. Les cahiers I à IX ont été résumés par Jean-Luc Lagarce sous le titre Itinéraire.

Je n'ai jamais interrompu mon Journal‚ j'y ai consacré machinalement beaucoup plus de temps encore‚ j'allais m'asseoir dans les cafés et je tenais mon petit registre et pour ne pas me noyer définitivement‚ j'ai tenté aussi de mettre au propre les cahiers précédents. Chaque jour‚ j'ai recopié calmement les années précédentes. Peut-être les choses reviendront-elles sans trop de violence, on se dit cela, je ne sais pas. On peut écrire sans écrire‚ tricher‚ mais aussi rester là en silence‚ inutile ou impuissant. Quelque texte essentiel se construit dans la tête sans plus aucun désir de le voir sur le papier‚ sans plus aucune force de le donner‚ ne serait-ce qu'à soi-même.

Ce second volume, qui débute lors du séjour à Berlin de Jean-Luc Lagarce en 1990, présente les derniers cahiers, XVI à XXIII, de son journal.
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« Imagine toi riche de possibilités insoupçonnées. Rêve haut et fort, place les barres sur des hauteurs venteuses, fais-toi peur, ne te limite pas, explore et tremble. ».

Philippe Torreton, dans une longue lettre émouvante et poétique, livre sa passion pour le théâtre. Il parle de ces sentiers que le futur comédien aura à défricher, raconte le trac, les découragements, les joies et les doutes, la solitude, la ténacité mais aussi le goût pour l'inattendu et l'éphémère. Un cheminement comme une longue quête de connaissance de soi grâce aux autres. Il nous dit l'importance du texte, remet en cause la notion même de personnage et invite à nous concentrer sur « l'impérieux souci de dire quelque chose à quelqu'un ». Il évoque ses rencontres avec comédiens et metteurs en scène pour mieux partager son expérience. Voici une déclaration d'amour au métier d'acteur, une formidable transmission autant qu'une leçon de vie généreuse et inspirante pour nous tous. Lire la suite Fermer

A l'occasion d'une résidence à l'université de Strasbourg en mars 2016, Wajdi Mouawad s'est entretenu à trois reprises devant son public avec Sylvain Diaz, enseignant-chercheur en études théâtrales. La plongée profonde, parfois vertigineuse, de l'artiste jusqu'au coeur de son oeuvre confère à ces rencontres une valeur de témoignage exceptionnel.

En 2000, Marcel Bozonnet, alors directeur du Conservatoire national supérieur d'art dramatique, demande à Olivier Py un texte théorique sur l'art théâtral, destiné aux apprentis acteurs. C'est sous forme d'une pièce en forme de manifeste que la réponse advient et elle ne s'adresse pas qu'aux jeunes acteurs : l'auteur y défend avec lyrisme la puissance du langage, contre l'injonction de la technicité et de l'utilitarisme du monde moderne. Un titre qui s'empare du débat toujours actuel autour du texte dramatique et de la figure de l'auteur de théâtre contemporain.  

Suite des carnets de Patrice Chéreau (1944-2013), acteur, scénariste, metteur en scène de théâtre et d'opéra, réalisateur, il a joué un rôle majeur sur la scène artistique et culturelle européenne durant plus de quarante ans.